浪漫主义的代表人物—拉赫玛尼诺夫
发布日期: [2011/3/18]  人气指数: [3588]  

      拉赫玛尼诺夫1873年4月1日生于俄国斯塔罗鲁斯基;谢尔盖5岁开始学习钢琴,(9岁)时入圣彼得堡音乐学院就读,后转入莫斯科音乐学院,1943年3月28日,卒于加利福尼亚州的贝弗利山,终年70岁。他出生于俄国贵族家庭,拉氏曾祖父曾经在圣彼的堡学习钢琴,拉氏的母亲安娜•奥娜斯卡雅是圣彼的堡音乐学院的毕业生。拉氏的最早的钢琴教育就来自母亲。1882年拉氏举家迁往圣彼得堡,入学圣彼的堡音乐学院。但此间拉氏家庭发生了大事,姐姐和父亲先后去世,只有母亲照看他。由此,拉氏的性格也逐渐变得内向孤僻。1917年,苏维埃革命政权建立以后,永久的离开了俄国,定居美国。为谋生计,拉赫玛尼诺夫开始其钢琴演奏生涯,在他人生余下的廿多年里,于美国及欧洲各地演奏,但却再无踏足祖国的机会,在他死前数周宣誓成为美国公民。1943拉氏患病。医生初步诊断为晚期癌症,且完全扩散到肺部和骨头。根据在拉氏最后时刻陪在他身旁的钢琴家霍洛维茨回忆:拉氏的病情恶化的非常快,1943年3月28日早晨,拉氏在家中去世。离自己的生日仅剩几天。拉赫玛尼诺夫的身材高大,拥有一双巨大的手,左手能轻易按到跨十二度的琴键,故此并非所有人能演奏他的作品。他的身材可能与一种名为马凡氏综合症 (Marfan Syndrome) 的遗传病有关,患者其中一个征状是修长的四肢及手指。 
      音乐家们发现无论是什么作品,乐队、钢琴、歌剧、任何体裁,只要是拉赫玛尼诺夫听过的,他就能够在钢琴上演奏出来,而且好像是仔细研究过一样。戈登维泽说:“这种非凡的能力我从未在其他任何人身上看到。”无疑,拉赫玛尼诺夫也是历史上最伟大的视奏大师之一,他从头至尾视奏完一部作品,也就基本上完成了一次演奏。作有三部歌剧、三首交响曲、音诗《死岛》及其他管弦乐曲、四首协奏曲、一首钢琴与乐队的《帕格尼尼主题狂想曲》、钢琴音乐(包括一系列重要的前奏曲和图画练习曲)、合唱曲、室内乐和歌曲。

一、继承民族传统

      拉赫玛尼诺夫的音乐风格自始至终保持俄罗斯音乐传统,并具有肖邦的诗情画意和李斯特的强烈效果。深厚的民族感情和精湛的演奏技巧在他身上相溶相通。在拉赫玛尼诺夫的音乐中,俄罗斯的大自然、俄罗斯的心理、俄罗斯的生活、俄罗斯民歌的韵味和钟声的情调。柔美的旋律、深邃的内涵又贯通于俄罗斯独特的音乐语言,悠长宽广、气宇轩昂,处处映射出浓郁的民族风格和精神。

二、坚持走“传统”基础上的创新道路

      拉赫玛尼诺夫的艺术基本保持了19世纪的浪漫主义艺术观,没有去追随瓦格纳、德彪西及更新的潮流。拉赫玛尼诺夫无疑是俄罗斯浪漫主义音乐仅存的一位代表人物。但是值得注意的是,他的创作虽然实质上仍是浪漫主义的,却经受了20世纪气息的熏陶形成了拉赫玛尼诺夫独特的创作风格:他作品的许多片断即使把属于近现代和声技法的部分去掉,也很难用传统和声理论来分析。这说明他的和声技法属于“传统”与“近现代”之间的“探索阶段”。和声语言仍以功能性和声为基础,却在扩大和丰富和声色彩方面使用了具有鲜明个性特点的手法。拉赫玛尼诺夫的旋律特点清新自然、纯净质朴,具有鲜明的俄罗斯气质。

三、悲剧性艺术风格

      拉赫玛尼诺夫在给一位朋友的信中曾说过:“在伤感和快乐两种主题中,我更偏爱前者。”“光明、欢快的色彩不是我所乐见的。”的确,不论就调式的意义上来说,或就心理刻画的意义上来说,拉赫玛尼诺夫特别倾向于小调,倾向于小调性的主题以及悲歌性或悲剧性的形象领域。在他的艺术作品中,总有一些主题不断出现在他的创作中。例如:死亡的主题,贯穿于他的早期的第一交响曲,成熟时期的《死岛》及晚期的科列里主题变奏曲、帕格尼尼主题狂想曲、第三交响曲以及他的绝笔之作《交响舞曲》等作品里。拉赫玛尼诺夫的“命运”形象是柴科夫斯基“命运”形象的直接继承者,他对命运总有一种不可言喻的恐惧感。“魔鬼”形象在拉赫玛尼诺夫的戏剧性音乐构思中也起着显著作用。因而拉赫玛尼诺夫的音乐总让人感受到一种笼罩在潜在悲剧性之中的辉煌气势和巨大感染力。

四、集钢琴家、指挥家、作曲家于一身的伟大音乐家

      作为音乐家拉赫玛尼诺夫集作曲家、钢琴家、指挥家三职于一身。以钢琴家而言,他是“钢琴音乐的建筑师”。他对作品的诠释往往透射出一个作曲家的丰富想象力和对音乐色彩的极度敏感。同时具有精湛的演奏技艺,尤以坚强有力与悠长宽广的音响见长。但他最为人乐道的是他能将敲击的钢琴音响化成优美的吟唱。

      以作曲家而言,他写作了许多体裁的大量作品。包括他的钢琴曲《前奏曲集》、四首协奏曲及《帕格尼尼主题狂想曲》、三首交响曲、一首带合唱的交响曲《钟》、一首交响诗《死岛》、一套交响诗曲、79首歌曲及许多零星的钢琴小品,另外还有大量改编曲等。

      同时在指挥方面他的成就也较为可观。1904-1906,他被聘为莫斯科布尔希歌剧院之指挥,演出了一系列俄罗斯经典歌剧。1911-1913在莫斯科爱乐协会音乐会上指挥交响乐演出。几年后,他开始在意大利、德国、巴黎游历,以钢琴家和指挥家的身份演奏及指挥自己的作品。同时,他那充满活力又精细入微的指挥也在唱片中永久的保存下来。

拉赫玛尼诺夫《交响舞曲》

     《交响舞曲》是拉赫玛尼诺夫的最后一部作品,完成于1940年10月,题献给指挥大师尤金·奥曼迪,翌年年初由奥曼迪指挥费城管弦乐团首演。《交响舞曲》这一曲名中的“舞曲”只是取象征的含义,强调音乐中的力量,其实作品本身更像是一部由三个乐章组成的交响曲。拉赫玛尼诺夫起初将三个乐章分别冠以“清晨”、“正午”和“黄昏”的标题,但在作品最后出版时,像他本人以及其他作曲家经常做的那样,他没有在总谱上附加任何标题,这或许是由于他不想过多地强调作品中的个人色彩,而宁愿让音乐自己说话。

      第一乐章的演奏速度标为不太快的,前后两部分中充满了不可遏制的节奏动力,主要主题有着拉赫玛尼诺夫晚期作品特有的阴郁严峻之美,铜管乐器和大鼓的强奏和弦又带给音乐某种神秘的凶兆。中间部分由萨克斯管独奏的优美旋律极富感染力,透出悠远的伤感和真挚的抒情。乐章的末尾引用了作曲家本人四十五年前创作的第一交响曲中的一个旋律,这是对遥远的青年时代的回忆。

      第二乐章稍快的行板(圆舞曲速度)是一首典雅的圆舞曲,带有异国情调,同时充满盎然的诗意和精致的色彩变化,不过音乐背后的沉重、抑郁情感始终挥之不去。

      第三乐章非常慢的—活泼的快板—非常慢的,同开始时一样就音乐形象的鲜明和表现力之深刻而言堪称俄罗斯交响音乐文献中最令人震惊的作品之一。作曲家以精湛的音乐语汇表达了人类在恐怖的幽灵面前所产生的畏惧和绝望。音乐中始终回荡着中世纪天主教末日经《震怒之日》的曲调,这是拉赫玛尼诺夫在不同时期的创作中一再引用的音乐曲调,是死亡的神秘象征,在这里更强烈地表现了死亡无所不在的威力,留给人阴森可怖的印象。作品结束于震耳欲聋的轰鸣,这是作曲家描绘的可怕前景,是对生活得出的悲剧性结论。

维尼亚夫斯基

      维尼亚夫斯基波兰小提琴家、作曲家 1835年7月10日出生於波兰,从1862年到1868年维尼亚夫斯基便在st. Petersburg新成立的音乐院中任教。四年后,也就是1872年,维尼亚夫斯基再度展开他的世界巡迴演奏工作。维尼亚夫斯基虽然身体状况每下愈况,甚至在演出中不支倒地,但为了经济需求,他仍不断巡迴表演,最后於1880年死在莫斯科。
      在paganini之后的众多多小提琴中,维尼亚夫斯基可说是最接近顶尖的一位。他的演奏融合了法国学派的技巧以及斯拉夫民族的气质。他不仅能轻松地炫耀过人的技巧,更能另听众感动得落泪。他以强烈的抖音(vibrato)加强他优美动人且富有情感的音质。鲁宾斯坦称赞他为:当代无庸质疑最伟大的小提琴家。在作曲方面,维尼亚夫斯基统合了自paganini 帕格尼尼(1782-1840),意大利小提琴家与作曲家之后的崭新技法,并融入浪漫思想及斯拉夫民族色彩。从他的玛祖卡舞曲及波兰舞曲便可证明他深具波兰民族主义的思想。他最重要的作品是二首小提琴协奏曲。另外则是在练习曲的创作上,可说是仅次与paganini的24首caprices而最富有音乐性与挑战性的小提琴练习作品。

 
 
 
 
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